ULISES DESCUBRE A AQUILES (CUADRO)

Autor: Peter Paul Rubens
Técnica: Óleo sobre lienzo
Tamaño: 246 x 267 cm
Estilo: Pintura Flamenca (Siglo XVII) 
Movimiento: Barroco

SOBRE EL AUTOR:
Peter Paul Rubens (Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, Flandes (Países Bajos Españoles) actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), fue un pintor barroco de la escuela flamenca.


MITO:
La diosa marina Tetis, madre de Aquiles, quería librar a su hijo de participar en la guerra de Troya (en el primer caso conocido en la historia de "objeción de conciencia"). Para ello, lo disfrazó de muchacha, cuando el niño tenía 9 años, y lo ocultó (con aspecto de chica) en la isla de Esciros, donde reinaba Licomedes, entre Deidamía (hija del rey) y sus damas. Pero los griegos necesitaban la participación de Aquiles, pues el adivino Calcante les había vaticinado que Troya no podría ser conquistada si Aquiles no formaba parte del contingente griego. Así, Ulises y Diomedes, disfrazados de mercaderes, acuden a la isla, y ofrecen vestidos y baratijas, mezclados con armas, a Deidamía y sus damas. Entonces se revela la identidad viril de Aquiles, pues mientras todas las chicas se interesan por los adornos, a Aquiles se le van los ojos hacia las armas. Así se descubre el pastel. Pues bien, este episodio está plasmado magníficamente en el siguiente cuadro de Rubens, ''Ulises descubre a Aquiles'' o "Aquiles descubierto entre las hijas de Licomedes". 

SOBRE EL CUADRO:
Este cuadro es una obra realizado por Rubens en colaboración con Van Dyck, aunque el pincel de éste es mínimo. Rubens destaca por su arte vibrante y puramente colorista. Poseedor del carácter fuerte de Miguel Ángel pero mezclado con un dinamismo elocuente y el colorismo veneciano, hace que sus pinceladas resulten muy aptas para las pinturas mitológicas que suelen gozar de gran tensión emotiva.

La obra la realizó entorno a 1618 y podemos disfrutar de ella en el Museo del Prado. Van Dyck permaneció desde los 10 años en el taller de Rubens, algo que se hace obvio si vemos algunas obras de la primera etapa de este artista. Y ya siendo maestro, trabajó en colaboración con Rubens en Inglaterra. Fruto de esta contribución mutua nace esta serie acerca de la vida del joven Aquiles.

           

Destaca de esta obra que no sólo se conserva el cuadro, sino que también podemos disfrutar de un tapiz y de un boceto, algo que pone de manifiesto que fue una obra estudiada e históricamente importante.

El pintor muestra a un grupo de revolucionadas jóvenes que se agachan para ver los tesoros que trae el vendedor, pero algo sucede, se sorprenden al ver cómo Aquiles toma un casco y se lo prueba y deja su pierna al descubierto, evidenciando así su sexo masculino lo que resulta una sorpresa para todos.

Deidamía, la joven de blanco, es la que más sorprendida parece, a la par que asustada. Algunas fuentes dicen que Deidamía y Aquiles tuvieron amores, y que fruto de la relación nació Neoptólemo, también conocido como Pirro por el apodo de su madre.

Por otra parte, a la derecha aparecen dos hombres que cuchichean; son Ulises y Diomedes. Uno de ellos, Ulises, que mira atentamente cómo su estratagema ha funcionado. El otro hombre, Diomedes, se lleva la mano a la boca sorprendido, pues no sabía que debajo de ese vestido se ocultaba nada más y nada menos que un futuro héroe.

            
Al fondo, por detrás de la balaustrada se percibe perfectamente el mar. No tenemos que olvidar que Esciros es una isla del Mar Egeo.

La representación queda enmarcada por las figuras de dos cariátides. La de la izquierda es una alegoría del engaño, debido a que lleva una máscara a un lado del rostro. Está se encuentra del lado de las jóvenes y de Aquiles, que han sido los que han sufrido el engaño. A la derecha, descubrimos una representación de la diosa Atenea, la distinguimos por su coraza, su yelmo y el escudo con la cabeza de Medusa. Diosa de la guerra y de la inteligencia, apoyó a los aqueos en la guerra, y se sitúa al lado de Odiseo, su protegido y que además con su astucia logra convencer a Aquiles y conseguir así la gloria para los griegos.

            

Otros detalle que coloca son las cornucopias de la parte de abajo, símbolos de prosperidad del reino de Esciros. Entre ellas un pequeño altar con un corazón, para resaltar el amor de Aquiles y Deidamía.

En la parte superior una serie de angelotes con guirnaldas que aparentemente no tienen ningún significado mitológico, son simplemente un adorno frecuente en Rubens y en el barroco.

FUENTES: 

http://tradicionclasica.blogspot.com.es/2007/12/rubens-y-la-tradicin-clsica-i.html
http://clasicas.usal.es/Mitos/indexalumnos.htm#fatimagonzalez

A Andrómeda y Perseo (Soneto XLVIII)

En la mitología griega Andrómeda  era hija de Cefeo y de Casiopea, reyes de Etiopía.

Casiopea, habiendo presumido ser tan bella como las Nereidas, provocó la furia de Poseidón, quien envió una inundación sobre la tierra y un monstruo marino, Ceto, para que acabase con hombres y ganado. Sabiendo por el oráculo de Amón que no podrían encontrar una solución hasta casar a su hija Andrómeda con el monstruo, el rey Cefeo la dejó encadenada a una roca, desnuda y con joyas.


Perseo, cabalgando por el aire con su caballo alado Pegaso de vuelta tras matar a la Gorgona, vio a Andrómeda y se enamoró de ella. Bajó a la playa a hablar con Cefeo y Casiopea para pedir su mano si la libraba del monstruo marino. Los padres aceptaron de mala gana. Perseo luchó con el monstruo marino con Pegaso, lo mató y usó la cabeza de la Medusa para petrificar al animal y convertirlo en coral. Después desató a Andrómeda y fue feliz a contraer el prometido matrimonio. Pero Casiopea se negó porque ya le había prometido su mano al príncipe Agenor. Perseo luchó contra él y su séquito y después de matar a muchos se vio obligado a usar la cabeza de la Medusa y petrificó a los que quedaban. Andrómeda se casó felizmente con Perseo.

Andrómeda marchó tras su marido a Tirinto en Argos, y se convirtió en la madre de seis hijos: Perses, Alceo, Méstor, Heleo, Electrión y Esténelo, y una hija, Gorgófene. Sus descendientes gobernaron Micenas desde Electrión hasta Euristeo, tras quien Atreo obtuvo la corona, e incluye al gran héroe Heracles. Según esta mitología, Perses es el ancestro de los persas.

Tras su muerte, Andrómeda fue situada por Atenea entre las constelaciones del cielo del norte, cerca de Perseo y Casiopea. Sófocles y Eurípides escribieron varias tragedias a partir de la historia, y sus incidentes fueron representados en numerosas obras de arte antiguas.
Andrómeda es representada en el cielo del hemisferio norte por la constelación Andrómeda, que contiene la galaxia de Andrómeda.


( Cuadro de Charles Napier Kennedy. 1890.)

Juan de Arguillo

Don Juan de Arguijo (Sevilla, 1567 - ibíd. 1623), poeta, mecenas y músico español perteneciente al Siglo de Oro en la corriente estética barroca.

Más información: http://www.poesiadelmomento.com/luminarias/mitos/8.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_de_Arguijo

SÍNDROME DE MEDEA

Medea, por Eugène Delacroix, 1862.

El nombre de síndrome de Medea proviene de la antigua mitología griega, del mito de Jasón y los argonautas. El Complejo de Medea nos remite a la famosa tragedia de Eurípides. Su argumento es, más o menos, el siguiente: Medea, loca de amor por Jasón, un aventurero atractivo, decide fugarse con él en contra de los deseos de su padre y su hermano. Este los persigue y Medea, implacable, le da muerte. Una vez que llegan a la patria de Jasón, Medea se vuelve loca de celos cuando el inestable protagonista decide casarse con una muchacha del lugar. 

Este síndrome se puede dar tanto en el padre como en la madre. La diferencia consiste en que generalmente son niños pequeños a los que la madre mata, y adolescentes o adultos a los que el padre mata. Claro que esto no es una regla, siempre se pueden dar casos contrarios.

Cuando algo se rompe se suele hacer añicos también lo que lleva dentro. Por eso, las primeras víctimas inocentes de la separación de los padres son los hijos. Por muy bien que se lleven las cosas, los daños colaterales son inevitables; por mucho sentido común que se ponga, los afectos salen afectados, y por poco sufrimiento que se cause, se causa mucho. Llegada la situación, no hay que buscar culpables, sino afrontarla lo mejor posible, sobre todo, pensando en los hijos.

Cosa que no hacen algunas madres y algunos padres. Al contrario: utilizan a los hijos como armas arrojadizas contra sus ex parejas, los usan para hacerse daño mutuamente, sin medir que a quién más dañan es a los que se han convertido, de la noche a la mañana, en víctimas silenciosas. 
En cierto modo, los padres alienadores están ''matando'' a sus hijos, por lo menos en relación al otro progenitor, con el fin de vengarse de quien los ha abandonado. En el fondo, están haciendo lo mismo que hizo la mítica Medea, quien invadida por la ira no encontró otra forma de vengarse de su marido Jasón, quien la acaba de abandonar, que matar a sus propios hijos, Feres y Mérmero.
La única explicación de todo esto parece encontrarse en la locura: pensamos que Medea ha perdido el juicio, que su amor por Jasón ha obnubilado su mente, que se ha vuelto loca y que “no sabía lo que hacía”.

SÍNTOMAS MÁS COMUNES:

Sergio García, especialista del Colegio de Psicólogos de Madrid, sostiene que ninguna patología mental produce el asesinato de un ser querido. Los síntomas comunes en estos casos son las depresiones postparto, los sentimientos de rechazo hacia el hijo y sentimientos de destrucción hacia uno mismo y su recién nacido.

Si hay depresión postparto, se puede querer matarse a sí mismo, y al no percibir al hijo como un ser distinto a mi, le mata a él. Otro caso es el asesinato por compasión: si le gusta el mundo y le parece un lugar lleno de sufrimiento y desagradable, mato a su hijo y así no le hace vivir en este mundo.

La tercera hipótesis es un brote psicótico, que es una ruptura de la realidad y puede ser causado por diversas causas. La más común es el estrés potente. Sin embargo, sólo por las noticias no se puede diagnosticar. Se necesitan varias entrevistas con los pacientes para poder hablar de algún tipo de patología.

Estos comportamientos no son provocados por el entorno y tampoco tienen nada que ver con una familia desestructurada. Sin embargo, la red familiar hubiera podido evitar estos hechos si se alertase a los psicólogos, médicos y servicios sociales de que era necesario que estas personas fuesen tratados (si hubieran observado comportamientos inusuales o extraños).

PREVENCIÓN: 

Por lo tanto, la forma de prevenir estos problemas es que el entorno mande una “alerta roja” cuando ve pensamientos de muerte permanentes de un padre hacia un hijo o cuando tiene comportamientos de descuido o negligencia hacia un niño. Por otro lado, la prevención pasa por educar a la población sobre qué es la paternidad. Una sociedad sana que se preocupa de sus nuevas familias, sirve como apoyo para que se desencadenen episodios de agresividad.

Hay que tener claro que el riesgo cero de criminalidad no existe. La depresión postparto afecta al 15% de las madres, según un estudio reciente de la “guía infantil”. No hay un perfil concreto, aunque lo que suele suceder es que la persona no tenía apoyo familiar o de su pareja, o que vivía en una familia desestructurada o sin recursos económicos.

FUENTES:

https://blogs.aceprensa.com/familiaactual/el-complejo-de-medea/

http://www.elconfidencialdigital.com/te_lo_aclaro/lleva-padre-matar-hijos_0_2545545434.html

METAMORFOSIS DE NARCISO

CUADRO SALVADOR DALÍ

Autor: Salvador Dalí 

Fecha: 1937

Museo: Tate Gallery (Londres) 

Características: 50.8×78.3 cm

Material: óleo sobre lienzo 

 Salvador Felipe Jacinto Dalí I Domènech, marqués de Dalí de Púbol. Nació en  Figueras, el 11 de mayo de 1904 y murió en Ibídem, el 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador,escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arterenacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria, realizada en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un auto proclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Uno de sus cuadro relacionados con la mitología es:

METAMORFOSIS DE NARCISO 

La obra nos muestra a Narciso, un personaje de la mitología de la Grecia Clásica. Un personaje que se enamoró de su propia imagen al verla reflejada en el agua y que se ahogó intentando alcanzarla. Sin embargo, los dioses del Olimpo inmortalizaron su imagen convirtiéndolo en una bella flor: el narciso. Un mito clásico que se ha mantenido hasta nuestros días, ya que en español a las personas que se quieren tanto a sí mismo, llegando a adorarse, se les sigue llamando narcisistas.
En la imagen se puede ver como la figura de Narciso se transforma en una mano osificada, de piedra, y de esa muerte resurge la vida. Pero además los dedos de esa mano pétrea (a la derecha) en los que se ha convertido la imagen humana de Narciso (a la izquierda) sostienen un huevo que sería la cabeza, pero además es el símbolo del seno materno del que brota una flor. Es decir, en esta imagen están muchos de los elementos simbólicos y con doble sentido de la pintura daliniana, y por supuesto prácticamente se puede considerar a esta imagen como un verdadero autorretrato del artista, sin duda alguna, uno de los mayores narcisistas que ha dado toda la Historia de la pintura.
En definitiva, el cuadro está lleno de símbolos y detalles de carácter surrealista, y muchos de ellos solo son comprensibles conociendo la obra del psicoanalista Sigmund Freud, por el que Salvador Dalí sentía verdadera pasión desde sus tiempos de estudiante. Y a lo largo de su vida. como eran dos eminencias de la cultura occidental, llegaron a conocer el artista catalán y el doctor austriaco, y las palabras de Freud para describir a Dalí fueron contundentes:

  " ¡Jamás he visto un ejemplo tan perfecto de un hombre español, que fanático!"

Dánae, de Artemisa Gentileschi.

Dánae es un cuadro atribuido a la pintora italiana Artemisia Gentileschi (también se concede su autoría a su padre,Orazio Gentileschi, pues Artemisia pertenecía a su taller) que realizó para Giovanni Antonio Sauli. Se encuentra ubicado en el Museo de Arte de San Luis,(Missouri) en Estados Unidos.
Es un óleo sobre cobre de circa 1612, de 40,5 x 52,5 centímetros

Este cuadro refleja la habilidad, aprendido de su padre Orazio, para pintar tonos de piel sutiles y texturas ricas.

De temática mitológica, fue realizado en torno a 1612, por lo que se percibe el estilo caravaggista de su pintura de esa época. La temática que escoge Gentileschi puede ser un reflejo del terrible episodio por el que tuvo que pasar a los 19 años, cuando fue violada por su instructor de pintura, Agostino Tassi y el posterior proceso inquisitoria por el que tuvo que pasar a continuación. 

MITOLOGÍA DÁNAE:

Los padres de Dánae son el rey de Argos Acrisio y Eurídice. Acrisio recibió un oráculo en el que se le anunciaba que el hijo de su hija lo mataría.
Para evadir el oráculo, Acrisio decidió encerrar a su hija en una cámara subterránea de bronce con una guardia constante. Sin embargo, el oráculo debía cumplirse y Dánae quedó embarazada. Hay versiones que dicen que Zeus llegó a la cámara en forma de lluvia de oro y sedujo a Dánae.
Cuando Acrisio supo lo que había ocurrido, se negó a creer la historia de origen divino, por lo que decidió encerrar a Dánae con el bebé en un cofre y lanzarlos al mar. Pero Zeus los protegió y llegaron a salvo a la isla de Séfiros.
Dictis, el hermano del tirano Polidectes le dio refugio a la joven madre y a su hijo. Polidectes se enamoró de Dánae y por eso quiso alejar a Perseo, por lo que lo envió en busca de la cabeza de Medusa.
Mientras Perseo andaba cumpliendo con sus hazañas, Polidectes intentó conquistar a Dánae.
Cuando Perseo regresó con la cabeza de la Medusa, encontró a su madre y a Dictis rogando piedad ante Polidectes. Comprendiendo lo que ocurría,  mediante la cabeza de Medusa convirtió al tirano y a sus servidores en piedra.
Después de que Dictis quedara como rey de la isla, Dánae y su hijo Perseo partieron para Argos, donde Dánae regresó con su madre Eurídice y Perseo fue en busca de Acrisio, a quien tal y como el oráculo lo había predicho, mató sin querer.

SOBRE EL CUADRO , DESTACAMOS:

El color dorado de su pelo, las monedas cayendo en forma de lluvia, los colores vivos en un primer plano y colores oscuros en un segundo plano.

En utilización de los pigmentos y en la elaboración de sucesivos velos de colores es el modo de dar viveza a los pliegues del lino y del terciopelo, y de dar curvas de luz al cuerpo y a las diversas tonalidades de la piel.
El asunto mitológico de la pintura, con Zeus que se transforma en lluvia de oro para unirse con Dánae recluida por su padre en una estancia de bronce, había sido ya ampliamente representado en el Cinquecento por artistas como Correggio y Tiziano.
La carga sensual de Dánae asume en Artemisia fuertes acentos eróticos diseñados para complacer la mojigatería de los que encargaron la obra.
El diseño del cuadro se centra en la completa desnudez de un cuerpo de curvas exuberantes y su rostro refleja el placer que junto a las monedas que se están acumulando en su zona púbica, indica la aproximación del clímax sexual.

En segundo plano, vemos a la criada encargada de vigilar y cuidar a Dánae, aprovechandose de esa lluvia de monedas ,para recogerlas con la ayuda de su vestido ,cuantas más ,mejor, despreocupandose así por su ama.

https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A1nae_(Gentileschi)

http://mitosyleyendascr.com/mitologia-griega/grecia17/

http://slam.org:8080/emuseum/view/objects/asitem/search@/0?t:state:flow=7a468c8d-fda4-48aa-a51c-c465e23becfe
https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A1nae_(Gentileschi)

El rapto de Proserpina

Proserpina es una antigua diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección.
(Imagen:Dante Gabriel Rossetti.)

Punto de vista pictorico:

Museo: Museo del Prado
Características: 180 x 270 cm.
Estilo: Barroco
Material: Oleo sobre lienzo

La violencia del escorzo de Proserpina es lo que más llama la atención, al intentar zafarse de su agresor. Plutón está en total tensión al sujetar a la joven,mientras los amorcillos indican el camino al carruaje que llevará a la pareja con destino al Hades, donde Plutón era rey.Todas las figuras se vienen a primer plano, como sí de un friso clásico se tratara, debido a la preocupación del maestro por el volumen. Las luces empleadas sirven para aumentar el dramatismo y para reforzar el brillo del colorido, aplicado con largas pinceladas. La riqueza de las telas y el canon de belleza femenino, con mujeres entradas en carnes y muy blancas de piel, definen el máximo representante del Barroco.

Punto de vista histórico:

Mito

Proserpina fue hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.

Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido para que acertase a Plutón con una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa, donde se bañaba, jugaba con algunas ninfas y recogía flores. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades, el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo.

Su madre Ceres, diosa de los cereales o la Tierra, marchó a buscarla en vano por todos los rincones del mundo, pero no logró hallar más que un pequeño cinturón que flotaba en un pequeño lago. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, y se arrancó los vestidos y se arañó la cara, cayendo así una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiéndose en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad deTrápani.

Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Éste obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada, de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto con su madre. Ésta es pues la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.

En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que ésta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra era estéril.

El mito de Proserpina, descrito principalmente por el romano Claudiano está estrechamente relacionado con el de Orfeo y Eurídice: es Proserpina, como Reina del Hades, quien permite a Orfeo entrar y llevar de vuelta a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de serpiente. Proserpina tocaba su cítara para aplacar a Cerbero, pero Orfeo no respetaba su orden de nunca mirar atrás y perdía así a Eurídice.

Toda esta historia formó parte de la decoración de la Torre de la Parada. Este es uno de los lienzos más grandes y con mayor número de personajes que forman parte de la Torre de la Parada, donde el movimiento, el dramatismo y la gran variedad de personas y posturas se diferencian con respecto a otros. Tiene grandes similitudes compositivas con respecto al Rapto de Hipodamía  al mostrar ambos el momento más dramático del episodio. En ambos las mujeres, aterradas, apenas muestran signos de lucha y resistencia ante sus captores. Este mito es uno de los raptos representados en la Torre de la Parada que se completa con otros como el de Europa , Hipodamía , Ganímedes o Deyanira.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636-1638 aproximadamente, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV. La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV. A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de sesenta obras para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo. La mayor parte de las escenas narraban las pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis del poeta romano Ovidio y otras fuentes clásicas. Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

Pintor:

Luca Giordano nació en Nápoles en el año 1634. Pintor barroco italiano. En España fue también muy conocido como Lucas Jordán, por la castellanización del nombre.

Su actividad, bastante prolífica, y su velocidad al pintar lleva a que sea calificado como fa presto.

Tras su muerte fue desacreditado con dureza por artistas y críticos, que le consideraban responsable de la decadencia de la pintura tras los años esplendorosos de España. El nuevo interés que suscita, a principios del siglo XX, la época barroca contribuyen decisivamente a la revalorización del pintor italiano. Hay que reconocer que su producción en España influyó claramente en Goya.

Fuentes:

http://www.artehistoria.com/v2/obras/1186.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Luca_Giordano

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/orfeo-y-los-animales/e51f3582-810e-43e8-8612-bfab4f66692e

INSECTICIDA ORIÓN

Grabado de la constelación de Orión de la Uranometria de Johann Bayer, (1603). Biblioteca del Observatorio Naval de los Estados Unidos.

En cuanto a la mitología, Orión es un gigante mitológico procedente de la mitología griega, griego antiguo: Ὠρίων o Ωαρίων; latín: Orión o más raramente Oarion. 

Las fuentes clásicas recogen varias versiones diferentes acerca de Orión. Existen dos versiones principales acerca de su nacimiento y varias respecto a su muerte. Los episodios más importantes de su vida son: su nacimiento en Beocia, su visita a la isla de Quíos donde se encontró con Mérope y fue cegado por su padre Enopión, la recuperación de la vista en la isla de Lemnos, su cacería junto con Ártemis en Creta, su muerte causada por una flecha lanzada por Ártemis o por un escorpión gigante y su elevación a los cielos por la misma Ártemis, o por Zeus, como la constelación de Orión. 

En literatura griega aparece como un gran cazador en la Odisea de Homero, donde Odiseo ve su sombra en el inframundo. La leyenda básica de Orión está relatada por recopiladores de mitos helenísticos y romanos pero no hay una versión literaria de sus aventuras comparable, por ejemplo, a la de Jasón en la Argonáuticas deApolonio de Rodas o la Medea de Eurípides. En el poema Fastos de Ovidio, en el mes de mayo se cita el nacimiento de Orión. Los fragmentos legendarios supervivientes han proporcionado un campo abonado para la imaginación sobre la prehistoria y mitología griegas.

Orión ha jugado varios papeles en la cultura de la antigua Grecia. La historia de las aventuras de Orión el cazador es una de las que nos quedan más evidencias: es la personificación de la constelación de su mismo nombre, fue venerado como héroe, en el sentido griego, en la región de Beocia y hay un pasaje etiológico que dice que Orión fue el responsable del aspecto actual de los estrechos de Sicilia.

Así pues, encontramos un referente clásico: INSECTICIDA ORIÓN 

Orion Spray Insecticida Cucarachas y hormigas con cánula 400 ml. Insecticida con cánula para rincones difíciles SIN OLOR, eficaz contra cucarachas, hormigas, arañas, chinces, garrapatas, pulgas, tijeretas, pececitos de plata, etc.

Garantiza la máxima eficacia contra todo tipo de insectos, respetando el entorno de las personas. Es una marca con más de 80 años de experiencia en la fabricación de antipolillas e insecticidas.

Por último, la referencia de este producto con la mitología es que con la fuerza de un titán se cambian las tornas y con el insecticida puedes acabar con cualquier insecto.

FUENTES: 
https://es.wikipedia.org/wiki/Ori%C3%B3n_(mitolog%C3%ADa)
http://astrologiaymitos.blogspot.com.es/2010/12/el-mito-de-la-constelacion-de-orion.html

http://orionmatainsectos.es/es

CORPORE SANO.

Corpore Sano es una marca preocupada del medio ambiente y de los componentes que conforman sus fórmulas. El uso de los extractos y aceites vegetales conducen al bienestar. Su combinación apropiada en la elaboración de fluidos, aceites, geles y cremas, permite potenciar sus cualidades tratantes y aumentar su eficacia en la higiene y cuidado personal.

La marca cuenta con exquisitos productos capilares amigables con nuestro cabello, dentro de los cuales destacan el shampoo y el acondicionador de ginseng y la mascarilla de aloe vera y enebro.

El extracto de Ginseng protege, suaviza y revitaliza el cabello. Proporciona manejabilidad, elasticidad y emoliencia al cabello dejándolo desenredado desde la raíz hasta las puntas. Además, el shampoo cuenta con extracto de hibiscus, el cual favorece el crecimiento del cabello y aporta hidratación.

La mascarilla devuelve al cabello su prestancia, vigor, grosor y aspecto. Aporta gran sedosidad, volumen y peinabilidad y posee diversos componentes como por ejemplo:

-Ácidos de Frutas AHAs, que actúan sobre el cuero cabelludo activando el desprendimiento celular y a la vez que limpian de impurezas la cutícula del cabello.

Extracto natural de Levadura de cerveza, que desarrolla una notable acción nutritiva del cabello.

Mens sana in corpore sano:

Mens sana in corpore sano, es una cita latina que proviene de las Sátiras de Juvenal. La cita completa es Orandum est ut sit mens sana in corpore sano (Sátira X, 356). Nació en la civilización de la Grecia Clásica, pues eran los únicos que realizaban los ideales que esta implica. Ninguna otra civilización de la época se aplicó con tanta devoción a la práctica del deporte y lo interiorizó de un modo tan profundo, impregnando su cultura, su arte, su vida diaria, e incluso su religiosidad y su política. 

Su sentido original es el de la necesidad de orar para disponer de un espíritu equilibrado en un cuerpo equilibrado; no es, por tanto, el mismo sentido con el que hoy en día se utiliza: "mente sana en un cuerpo sano". 

La marca de cosméticos , tiene una gran variedad aparte de campú, acondicionador y mascarilla.

Tiene además de eso, tónicos faciales, geles de aloe vera, aceites corporales, etc.

Como estos productos naturales, cuidan nuestro cuerpo y nuestro cabello,  ha elegido el nombre para su marca: Corpore sano, ya que cumple todos los requisitos para darle los cuidados necesarios a tu cuerpo, como lo hacían las mujeres en la antigüedad , que daban un gran cuidado a su piel con productos naturales.

En el tema de cosméticos y belleza , hay un gran campo de referentes clásicos , como por ejemplo Deliplus , Stylius , marcas muy conocidas que sus nombres provienen del latín : plus. de cantidad , y stillus que era una herramienta , que ha pasado a significar ''estilo''.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mens_sana_in_corpore_sano

https://www.ecocosmetica.es/marcas/corpore-sano

http://www.cabellosyhierbas.cl/gana-un-set-de-shampoo-acondicionador-y-mascarilla-de-tratamiento-corpore-sano/

gafas VENUS

En este articulo relacionamos a la Diosa Venus con la marca de gafas Venus. 

Venus/Afrodita

Afrodita es en la mitología griega, la diosa del amor, la lujuria, la belleza

y reproducción.

Aunque a menudo se alude a ella en la cultura moderna como «la diosa del amor», es importante señalar que no era el amor en el sentido romántico, sino específicamente en atracción física.Su equivalente romana es la diosa Venus.

La "surgida de la espuma" Afrodita nació de la espuma del mar cerca de Pafos (Chipre) después de que Cronos cortase los genitales a Urano, su padre, y la sangre y el semen de éste cayese al mar.

En una de las patas por las que las gafas están compuesta,aparece escrito "Venus", además son de color azul, que alude al agua del mar,lugar donde nació la bella Afrodita.

La relación que le encuentro es que se llaman de esta forma debido a que con ellas estaremos más bellos y a que a través de sus cristales,puedes ver las cosas más bellas o porque no "más claras",y este sería mi caso.

POEMA QUEVEDO

DICHOSO PUEDES, TÁNTALO

Dichoso puedes, Tántalo, llamarte,
tú, que, en los reinos vanos, cada día,
delgada sombra, desangrada y fría,
ves, de tu misma sed, martirizarte.

Bien puedes en tus penas alegrarte
(si es capaz aquel pueblo de alegría),
pues que tiene (hallarás) la pena mía
del reino de la noche mayor parte.

Que si a tí de la sed el mal eterno
te atormenta, y mirando l'agua helada,
te huye, si la llama tu suspiro;

yo, ausente, venzo en penas al infierno;
pues tú tocas y ves la prenda amada;
yo, ardiendo, ni la toco ni la miro.

Francisco Gómez de Quevedo Villegas y Santibáñez Cevallos nació en Madrid el 14 de Septiembre de 1580 y murió en Villanueva de los Infantes, Ciudad Real, el 8 de Septiembre de 1645 conocido como Francisco de Quevedo, fue un escritor español del Siglo de Oro. Se trata de uno de los autores más destacados de la historia de la literatura española y es especialmente conocido por su obra poética, aunque también escribió obras narrativas y obras dramáticas.

La poesía amorosa de Quevedo, considerada la más importante del siglo XVII, es la producción más paradójica del autor: misántropo y misógino, fue, sin embargo, el gran cantor del amor y de la mujer. Escribió numerosos poemas amorosos, dedicados a varios nombres de mujer: Flora, Lisi, Jacinta, Filis, Aminta, Dora. Consideró el amor como un ideal inalcanzable, una lucha de contrarios, una paradoja dolorida y dolorosa, en donde el placer queda descartado. Su obra cumbre en este género es, sin duda, su «Amor constante más allá de la muerte».

 

ESTATUA DE QUEVEDO EN MADRID

Me centrare especialmente en el poema nombrado, Dichoso puedes, Tántalo. 

Para el cometario de este poema, quiero empezar diciendo que es de temática mitológica, pero es indirecto ya que hace una reorientacion del tema principal del mito hacia lo amoroso. Estos poemas utilizan la mitología clásica como código cultural al que hacen referencia. La comparación es el elemento que une la experiencia amorosa aludida en el poema con el mito clásico. A través de ella se establecen ciertas analogías entre el yo poético, y el personaje mitológico o mito aludido.

El poema se construye sobra una base de comparación clara, que su mismo título indica; la pena que el “yo lírico” siente por su amada, es castigo mayor que la que le fue impuesta a Tántalo. Recordemos que el mito de Tántalo versa sobre el castigo que éste sufrió por haber robado el néctar y ambrosía de la mesa de los dioses para dárselo a los hombres, y por esto fue castigado a pasar hambre y sed eternas, gozando de fruta y agua en su presencia, pero sin poder alcanzarla. Como éste, el poeta se siente castigado a sufrir una pena mayor, puesto que Tántalo gozaba de la presencia de aquello que deseaba, al contrario de nuestro enamorado, que ni siquiera contemplar ni tocar a su amada puede. El amor se presenta, como en otras ocasiones lo ha hecho, como un castigo que el “yo lírico” sufre por la distancia de su amada. Observemos la contraposición constante que el poema se hace del “yo” –”tu” y el diálogo interno que se establece con el héroe mitológico. Nunca antes se había tratado con esta cercanía y confidencialidad a los dioses de la mitología, como en estos versos percibimos.

El poeta usa el castigo de Tántalo como ejemplo para expresar que muchas personas sufren un castigo parecido en vida ( tener algo muy cerca pero no conseguirlo). también dice que su propio sufrimiento es peor que el de Tántalo.

FUENTES: http://ab.dip-caceres.org/export/sites/default/comun/galerias/galeriaDescargas/archivo-y-biblioteca-de-la-diputacion/Alcantara/05-075-alc/05-075-013-Quevedo.pdf

https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Quevedo

http://es.slideshare.net/arbolderamas/la-mitologia-griega-11552607